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7部世界经典电影:欧洲与美国双雄并立,第7部悬疑剧让人惊魂_3

未知 2019-04-08 15:41

大家好,欢迎来到“五味娱乐”,今天我们聊一聊电影,这篇文章是世界电影史的一个部分。

电影产生以后,在相当长的一段时间里,一直保持着欧洲电影和美国电影双雄并立的态势。但之后美国电影蓬勃发展,逐渐形成了以制片人为核心的大制片厂制度,谁管钱谁说了算。在这种流水线式的生产模式下,美国向全世界输出了大量成熟的类型片,获取了巨额的商业利润。

而欧洲电影则先后经历了上世纪20年代前后的先锋派电影运动,二战之后的意大利新现实主义运动,并在上世纪五六十年代影响巨大的法国新浪潮当中,逐渐形成了“电影作者”论的概念,谁当导演谁就是这部电影作品的作者。这样,欧洲电影往往会带上强烈的导演个人的艺术风格。

欧洲和美国电影形成双雄并立形势

从那以后美国生产商业片,欧洲生产艺术片的

对于画幅的改变也相当具有新意,源追光灯打在人物的脸上,有效的吸引了观众的注意。具体情节就不做剧透了,这部电影优秀得不像是一部100年前的作品,感兴趣的朋友可以搜来看一看。

1941年作品对于类型片的突破,《公民凯恩》这部影片的分量在电影史中很重,甚至有人称这部影片是现代电影的奠基石,虽然是一部美国作品,但从气质上来看,它更像是一部散文诗式的欧洲电影。

《公民凯恩》镜头

影片以报业大亨凯恩的死讯揭开序幕,此前凯恩留下了玫瑰花蕾4个字作为遗言,为了破解所谓的玫瑰花蕾究竟指什么,记者汤姆逊对5个不同的人物进行了采访,通过这5个人的回忆,勾勒出了凯恩的人生的不同阶段和不同方面,最终构成了一个完整的凯恩。

这种多视角的叙事手法,打破了以往的线性叙事规则,在当时是绝无仅有的。同样以多视角叙事闻名的日本,同样以多视角叙事闻名的日本影片罗生门,则要退役到9年之后了,除了对叙事结构的突破之外,《公民凯恩》第1次系统地使用了景深镜头的景深长镜头也成为了影史经典。

《公民凯恩》镜头

我们来看这部电影中的一个场景。此时镜头缓缓向后拉,画面中出现了窗户,小凯恩被框在了窗外,镜头从单一的雪地场景变为纵深关系上的双重空间,镜头跟随母亲继续向后移动,此时镜头的前景是凯恩的父母正在同银行家商量着他未来的命运 ,而他仍在玩雪,浑然不知自己的命运已经被安排得明明白白。

在一个长镜头之内,导演通过场面调度完成了叙事上的任务,让画面从二维的平面拓展到了三维中的纵深关系,极大丰富了影片的视觉语言。对于影片中玫瑰花蕾的真正含义的解读,也成为了影迷们津津乐道的话题,其实玫瑰花究竟是什么并不重要,她赋予电影的神秘而浪漫的气质,带给观众的回味才是最重要的。

《公民凯恩》镜头

1948年作品,意大利新现实主义代表作,《偷自行车的人》。二战之后新现实主义电影在意大利得到很好的表现。这类电影削减了娱乐的属性,着重刻画底层百姓的困苦生活,展现社会的不公。《偷自行车的人》就是这类电影中的杰出的代表。这部电影故事情节很简单,就是一对父子围绕着一辆对他们生活非常重要的自行车而展开,自行车被人偷走,然后他们寻找过程中所发生的事,反映了底层人民的悲苦生活。

《偷自行车的人》镜头

影片剧作节奏非常精彩,电影开始二十分钟就发生了丢车事件,利用后面六十多分钟铺垫,主人公里奇找车遭遇的曲折,使观众对人物的同情心达到顶峰。电影中父亲偷自行车的情节,由于引起观众的同情,父亲的道德性几乎没有受到任何损失,观众只会感叹社会的残酷。

影片采用非职业演员,因此影片不具备夸张的舞台戏剧表演风格,朴素自然,非常能够打动人。相比于现今的一些卖慘的所谓现实主义影片,《偷自行车的人》做到了宝贵的“克制”,作为主人公的里奇,在遭遇不幸时几乎从来没有嚎啕大哭过,他的坚强反而让观众为他一掬同情之泪。

《偷自行车的人》镜头

1953年作品,细腻的日式家庭剧电影《东京物语》。从上个世纪80年代开始,华语电影、韩国电影相继发力,开始出现在国际舞台上,但在那之前日本电影算得上是整个亚洲的独苗。黑泽明、小津安二郎、沟口健二等大师级导演都留下了非常多的经典作品,在选择一部影片代表日本的时候,考虑到国内观众对于黑泽明更加熟悉,最后还是决定说一说《东京物语》。

《东京物语》镜头

影片叙述一对老夫妻,从乡下前往东京,看望已各自成家的儿女们。家庭医生的大儿子工作繁忙,没空带父母游玩,父亲很失望,喝的酩酊大醉而心生不满,只有守寡的儿媳妇能够带给老人温暖,不到10天老夫妻决定回乡,不久之后就收到了婆婆去世的消息。儿女们赶回乡下料理完母亲的后事之后各自回归了各自的生活。

本片对于人物形象的把握极好,小市民形象的二女儿,善良孝顺、朴实温柔的母亲都给观众留下了深刻的印象。电影很少有移动镜头,而是采用了大量的低角度,固定长镜头,用仰视的角度将人物拍得格外高大,往往占据了整个画幅。

《东京物语》镜头

但事实上影片中的每个人物都是在为生活下去而努力着的小人物,镜头和影片基调的对比更加衬托出忧伤的意味,但又是保持着生活下去的希望的,说起来,导演小津安二郎一定是个对生活的观察极为细致,很多台词或是情节的设计都会让观众,尤其是亚洲的观众感叹:太真实了,这就是生活。

《东京物语》镜头

1957年作品,《雁南飞》。光影运用的极致中,如何抓住观众的好莱坞电影和如何抒发导演个人情怀的欧洲电影不同?苏联电影将相当多的注意力,或是镜头的运动来表现人物的内心活动上,产生虚实结合的效果。

《雁南飞》便是其中的翘楚,一篇讲述维诺尼卡和鲍里斯,一对相爱的年轻人,时逢战事,鲍里斯自愿入伍上前线打仗,两人分离,维诺尼卡的父母被炸死她只能住在鲍里斯家中,悲痛欲绝的她经不住鲍里斯表弟的诱骗和他结婚,维诺尼卡一直等待着鲍里斯的归来,但鲍里斯在战争开始就不幸遇难了。

《雁南飞》镜头

战争结束了,维诺尼卡结束了与鲍里斯表弟的婚姻,手捧鲜花来到欢庆和平的广场上,抬头看到了一排南飞的大雁,迎来了新生活。影片中两个场景相当经典,一是鲍里斯在战场上身亡的时候,导演利用前景的栅栏和后景中奔驰的列车,营造出维诺尼卡奔跑时的速度感。同时利用剧烈摇晃的主观手持镜头与夸张的倾斜式构图,搭配维诺尼卡面部表情特写,使观众感受到维诺尼卡感情的激荡。

《雁南飞》镜头

另一个场景是鲍里斯遇难的时候,将影片开头鲍里斯欢快的追赶上楼的维诺尼卡的旋转镜头和自己倒下时所看到的树木旋转的镜头,做了叠化处理,将鲍里斯对维诺尼卡的思念和爱的眷恋,表达的淋漓尽致。

《雁南飞》镜头

很多老一辈的中国电影人都是去苏联进修电影的,因此影片中类似的手法也常出现在中国第3代导演的创作当中,时至今日,《雁南飞》仍然是国内影视学科教育当中常被用来当作视听语言教学范例。

1959年作品,法国新浪潮代表作《四百击》,所谓的“四百击”片名的来源,一是说来源于法国谚语,指的是当孩子顽皮不听话的时候,挨400下打,就能变成健康听话的儿童,第2种说法是指对道德与行为规则的反抗,从内容来看,后一种说法更确切些。实际上这部影片是一部讲问题儿童的青春片,也是导演特吕弗回忆自传性质影片。

《四百击》镜头

希区柯克所创作的悬疑片大概可以分成两种套路,一种是全篇由一个大的悬念所控制,例如《夺魂索》,片头主角杀人之后,将尸体藏在箱子当中,还铺上桌布用来招呼客人,全片唯一的悬念就在于客人能否发现有一具尸体藏在现场,

《夺魂索》镜头

另一类则是一波未平,一波又起,全篇由多个悬念所构成,可恶的希胖在《惊魂记》中耍了的花招,影片前端玛丽莲卷走了老板的4万元现金携款潜逃,此时观众所关心的是玛丽莲能否逃跑成功,然而可怜玛丽莲还没撑到进度条的一半,就在歇脚的旅馆的浴缸中被刺死了,后面的悬疑点变为究竟谁才是刺杀玛丽莲的真凶,具体的剧情在这里就不做陈述了,毕竟悬疑片最忌讳剧透。

《惊魂记》镜头

影片最著名的段落是玛丽莲在浴室被杀死的段落,1分40秒的时间展示了44个镜头,其中有大量的跳切,有的镜头只是一闪而过,这一段令人眼花缭乱的蒙太奇,着实给我留下过心理阴影,洗澡的时候总担心有歹徒拿着刀子冲进来。

《惊魂记》镜头

在众多美国商业电影导演中,希区柯克算是少有的带有极强个人风格的一位,新浪潮的评论家们甚至认可希区柯克是一位电影作者,希区柯克的影片,虽然商业娱乐属性强,但往往都非常具有文化解读的价值,《惊魂记》探讨了性别的符号,他的《后窗》则探讨了窥视的欲望,希区柯克确实算得上是玩弄人心的大师了。希区柯克还有着在自己的作品中露脸的趣味,这也算得上是给作品留下自己印记的一个方式了。

《惊魂记》镜头

今天关于电影的内容就到这里结束了,以后我会继续给大家世界电影,也会讲中国电影,使大家对电影有个“史”的概念。如果你觉得内容还不错的话,欢迎评论和点赞、转发,你们的支持是我写下去的动力,我们下次再见。

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